GUSTAV KLIMT|12 MIN LEESTIJD

Wat de kunst van Gustav Klimt betekent

Het goud kent u. Wat u misschien niet weet, is voor wie de geliefdste kunstwerken van Klimt zijn gemaakt en wat ermee gebeurde nadat ze zijn atelier verlieten.

AUTEUR Moryarty

‘Dame met een mof’ van Gustav Klimt, 1916 — Gustav Klimt, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Wat de kunst van Gustav Klimt betekent, hangt af van het kunstwerk dat u bekijkt en van wat er na de voltooiing mee gebeurde. Klimt was een Weense schilder, geboren in 1862 en overleden in 1918, en medeoprichter van de Wiener Secession. Deze kunstenaarsgroep brak in 1897 met de conservatieve kunstwereld van de stad. In de loop van zijn carrière verruilde hij muurschilderingen in grote openbare gebouwen voor portretten in opdracht van particulieren. Met zijn opdrachten veranderden ook zijn onderwerpen. De zeven kunstwerken die hier aan bod komen, lopen uiteen van bijbelse voorstellingen en een universiteitsopdracht tot privéportretten en kunst voor gebouwen.

De betekenis van een kunstwerk begint bij de reden waarom het is gemaakt en voor wie. Daar komen de reacties van de eerste kijkers bij, en wat latere generaties erin wilden zien. Ook de eigenaren en de lotgevallen van het kunstwerk veranderen die betekenis. In deze zeven verhalen keren steeds dezelfde thema's terug: liefde, gezondheid, identiteit en artistieke vrijheid, en daarnaast de duistere geschiedenis van de twintigste eeuw, met inbeslagname, verwoesting tijdens de oorlog en restitutie.

Waarom maakte het schilderij met Hygieia van Klimt de Weense hoogleraren woedend en ging het in 1945 in vlammen op?

De gezondheidsgodin van Klimt is geen afzonderlijk schilderij. Zij is de figuur onderaan ‘Geneeskunde’, een van de drie faculteitsschilderijen waarvoor Klimt een opdracht kreeg: ze moesten het plafond van de grote aula van de Universiteit van Wenen sieren. Het ministerie van Cultuur en Onderwijs had hem gevraagd om ‘Filosofie’, ‘Jurisprudentie’ en ‘Geneeskunde’ te schilderen voor de aula van het nieuwe gebouw van Heinrich von Ferstel aan de Ringstrasse, dat in 1884 was geopend. Waar kunst in openbare gebouwen doorgaans de menselijke prestaties vierde, koos Klimt ervoor het leven te tonen als een lot getekend door ziekte en dood.

In Hygieia komen leven en dood samen. Dat wijkt radicaal af van de manier waarop kunstenaars de gezondheidsgodin gewoonlijk afbeeldden. Tijdens de tiende tentoonstelling van de Secession in 1901 kreeg het publiek ‘Geneeskunde’ voor het eerst te zien. De reacties waren nog feller dan op ‘Filosofie’: een medisch tijdschrift viel het schilderij aan en een groep hoogleraren diende er een formele klacht tegen in.

Berta Zuckerkandl beschreef in haar memoires hoe de rector een petitie voorlas die de aanvaarding van de plafondschilderijen een belediging voor de kunst noemde. Volgens haar zei een decaan dat Klimt had durven raken aan wat Rafaël voor de eeuwigheid had ontworpen. De anatoom Emil Zuckerkandl stond aan de andere kant: hij was een van de weinige hoogleraren die tekenden voor het behoud van de schilderijen. Het conflict eindigde in 1905, toen Klimt zijn contract met het ministerie opzegde en de drie kunstwerken terugkocht. Daarna nam hij geen openbare opdrachten meer aan en richtte hij zich op particuliere opdrachtgevers.

Na de terugkoop kwamen de drie schilderijen bij particuliere verzamelaars terecht. Ze wisselden meermaals van eigenaar en in 1938 namen de nazi's ze in beslag bij hun Joodse eigenaren. Tijdens de oorlog belandden de drie doeken in een kunstopslag in kasteel Immendorf in Neder-Oostenrijk. Op 8 mei 1945 verwoestte een brand ze daar. Men neemt aan dat terugtrekkende SS-troepen het kasteel in brand staken, maar dat is nooit onomstotelijk vastgesteld. Tegenwoordig bezit geen enkel museum het oorspronkelijke schilderij ‘Geneeskunde’.

Wat resteert is een kleine, maar kostbare verzameling bronnen. De enige kleurenreproductie van het detail met Hygieia die vóór de brand werd gemaakt, is plaat 10 in het boek ‘Klimt: Eine Nachlese’ van Max Eisler, dat in 1931 in Wenen verscheen. Het Israel Museum in Jeruzalem, de Albertina en het Wien Museum bewaren belangrijke voorstudies voor ‘Geneeskunde’. Samen met foto's maken ze het mogelijk het kunstwerk te bestuderen, ook al is het schilderij zelf verloren gegaan.

Een nieuw hoofdstuk begon op 13 november 2024. Toen werd een kleurenreconstructie van ‘Geneeskunde’ onthuld op de gevel van een onderzoeksgebouw van de Medische Universiteit van Wenen op de campus van het AKH Wien. De reconstructie meet ongeveer 12 bij 8 meter en is gemaakt met kunstmatige intelligentie. Google Arts & Culture maakte de reconstructie samen met het Belvedere in Wenen. Dankzij de reconstructie uit 2024 kunnen bezoekers en medewerkers ‘Geneeskunde’ weer in zijn geheel in kleur zien, op een universiteitsgebouw en met Hygieia onderaan. Daarvoor kende men de volledige compositie alleen in zwart-wit.

Judith en de verschuiving van bijbelse heldenmoed naar seksuele macht

De ‘Judith’ van Klimt in bladgoud maakt van het bijbelse verhaal over een stad die door een onthoofding wordt gered iets wat meer op een strijd tussen de seksen lijkt. Het Belvedere in Wenen, dat het schilderij bezit, ziet haar tegenwoordig als een gevaarlijk, verleidelijk icoon van vrouwelijkheid. Het museum wijst erop dat het schilderij geen ruimte laat voor de mannelijke agressor. Judith houdt het hoofd bijna teder vast, alsof ze het uit het beeld duwt.

Het schilderij is gemaakt met olieverf en bladgoud op doek en linksonder gesigneerd. Bovenaan de lijst staat de titel ‘JUDITH UND HOLOFERNES’. In een catalogus van de Wiener Secession uit 1901 staat het kunstwerk onder nummer 20 in zaal III vermeld als ‘Judith und Holofernes’, met de aantekening ‘Privatbesitz’, ofwel particulier bezit. De naam ‘Judith I’ dient om het te onderscheiden van het tweede schilderij van Judith dat Klimt in 1909 maakte.

De gedocumenteerde eigendomsgeschiedenis begint in Wenen. In 1901 behoorde het schilderij toe aan Anton Loew. In 1907 was het inmiddels in handen van Sophie Loew-Unger, ook in Wenen, en in 1920 bij Berthe Hodler in Genève, de weduwe van de schilder Ferdinand Hodler. In 1954 kocht het Belvedere het schilderij van haar en bracht het terug naar Wenen.

Enkele auteurs herkennen de gelaatstrekken van Adele Bloch-Bauer in het gezicht van Judith. Zij wijzen op de gelijkenis tussen de halsband van Judith en die in het latere portret dat Klimt van Adele schilderde. Er bestaat echter geen document dat deze identificatie bevestigt. Het schilderij hangt tegenwoordig in het Oberes Belvedere.

Hoe de ‘Beethovenfries’ zijn tijdelijke tentoonstelling overleefde

De ‘Beethovenfries’ ontstond voor de veertiende tentoonstelling van de Wiener Secession, een eerbetoon aan de componist dat van 15 april tot 27 juni 1902 liep. Onder leiding van Josef Hoffmann werkten eenentwintig kunstenaars aan de tentoonstelling, met als doel architectuur, schilderkunst, beeldhouwkunst en muziek te verenigen. Het Beethovenbeeld van Max Klinger stond in de grote zaal. De fries van Klimt liep langs de linkerzijgalerij, waar bezoekers als eerste binnenkwamen. Een opening in de muur bood zicht op het beeld. Klimt was op dat moment voorzitter van de Secession.

De fries volgt de interpretatie van de Negende symfonie van Beethoven die Richard Wagner in 1846 publiceerde. De reeks eindigt met een engelenkoor en twee geliefden die elkaar omhelzen. Ze verbeelden de ‘Ode aan de vreugde’ van Schiller en het geluk dat door liefde wordt bereikt.

Een criticus schreef dat de fries misschien geschikt was voor een grot voor heidense orgieën, maar niet voor tentoonstellingszalen waar fatsoenlijke vrouwen en meisjes welkom waren. Het publiek dacht daar anders over. De tentoonstelling trok bijna 60.000 bezoekers en werd een van de grootste publiekssuccessen van de Secession. Tijdens de voorbezichtiging liet Gustav Mahler zes trombonisten op de trap zijn eigen arrangement van een fragment uit de ‘Ode aan de vreugde’ in de toonzetting van Beethoven spelen.

De fries was bedoeld als tijdelijk kunstwerk. De muurschilderingen van de andere kunstenaars in de tentoonstelling werden na afloop vernietigd. De Secession had voor het volgende jaar al een grote retrospectieve van Klimt gepland. Zijn mecenas Carl Reininghaus kocht de fries en liet hem van de muur halen. Daardoor bestaat hij nog. Een geschikte tentoonstellingsplek vond Reininghaus niet. Toen August Lederer de fries in 1915 kocht, kon ook hij hem nergens tonen.

Het naziregime onteigende de fries. Na de Tweede Wereldoorlog kreeg Erich Lederer in Genève hem terug, maar een uitvoervergunning werd hem geweigerd. Na 1961 lag de fries opgeslagen in het Unteres Belvedere. In 1973 verkocht Lederer hem aan de Republiek Oostenrijk voor ongeveer 750.000 Amerikaanse dollar, al noemen sommige bronnen 1972.

De federale dienst voor monumentenzorg restaureerde de fries onder leiding van Manfred Koller en voltooide het werk in 1984. Een kopie op ware grootte, gemaakt tijdens de restauratie, was dat jaar te zien op de Biënnale van Venetië. In 1985 toonde het Künstlerhaus de gerestaureerde fries in een reconstructie van de zijgalerij van Hoffmann. Sinds 1986 is hij voor publiek te zien in een eigen zaal in de kelder van het Secessiongebouw. In 2013 vroegen de erfgenamen van Lederer om restitutie. Een staatscommissie wees hun verzoek in 2015 af.

Wie was Adele Bloch-Bauer en hoe kreeg haar familie het portret terug?

In de zomer van 1903 vroeg de bankier Ferdinand Bloch-Bauer Klimt zijn vrouw Adele te schilderen. Volgens één bron was het portret bedoeld als cadeau voor het huwelijksjubileum van haar ouders in oktober. Klimt werkte er jaren aan. Het voltooide ‘Portret van Adele Bloch-Bauer I’, met olieverf, goud en zilver op doek, is rechtsonder gesigneerd en gedateerd 1907. Het behoort tot zijn indrukwekkendste schilderijen. Adele zit rechtop, omgeven door goud, met haar handen sierlijk in elkaar gevouwen. Het Jewish Women's Archive beschrijft het resultaat als een modern icoon van een grande dame.

Pas begin 1907, het jaar waarin het werd voltooid, was het schilderij voor het eerst voor publiek te zien, in Mannheim. Daarna volgde de Kunstschau in Wenen in 1908. In 1938 namen de nazi's het samen met vier andere schilderijen van Klimt in beslag uit het huis van de familie Bloch-Bauer. In 1941 schonk de door de nazi's aangestelde advocaat, die het vermogen van Ferdinand beheerde, het portret aan de Galerie Belvedere in Wenen. Hij gaf aan daarmee gevolg te geven aan de wensen die Adele in haar testament had vastgelegd.

Decennialang hing het schilderij in Wenen onder de naam ‘Vrouw in goud’, een titel die de identiteit van de geportretteerde verhulde. Met de nieuwe titel verdween haar naam van het zaalbordje en zo maakte de titel af waar de inbeslagname aan was begonnen. Het portret dat haar moest eren, droeg haar naam niet meer. In 1998 stelde journalist Hubertus Czernin vast dat het Belvedere meerdere kunstwerken bezat die van Joodse eigenaren waren gestolen en dat het museum had geweigerd ze terug te geven. Het portret was er een van.

Maria Altmann, de nicht van Ferdinand, nam advocaat E. Randol Schoenberg in de arm om vijf kunstwerken van Klimt terug te vorderen van het Belvedere. De procedure duurde zeven jaar en er vond ook een hoorzitting plaats voor het Amerikaanse Hooggerechtshof. Schoenberg stemde in met arbitrage in Oostenrijk, mede omdat Altmann 85 was. Ze noemde hem aanvankelijk gek. In 2005 oordeelde een Oostenrijkse arbitragecommissie dat de schilderijen terug moesten naar de erfgenamen.

In 2006 verkocht Altmann het portret aan Ronald Lauder voor 135 miljoen Amerikaanse dollar, destijds een recordprijs voor een schilderij. Lauder kocht het voor de Neue Galerie New York, waar het sinds 2006 permanent te zien is, zoals de familie wenste. Volgens Schoenberg verkocht Altmann het deels om het ware verhaal van haar familie te vertellen en deels omdat de erfgenamen, die gezamenlijk eigenaar waren, de verzekering die nodig was om het in een privéwoning te bewaren niet konden betalen. De naam Adele Bloch-Bauer, weggelaten in de oude titel, maakt nu weer deel uit van de titel waaronder het schilderij bekendstaat.

‘De kus’ werd gekocht voordat Klimt het had voltooid

Klimt, Josef Hoffmann en hun collega's organiseerden de Kunstschau Wien van 1908 in recordtijd. De tentoonstelling ging op 1 juni open voor publiek. Klimt had zijn beroemde omhelzing niet op tijd voor de opening kunnen voltooien. Het schilderij hing er onder de oorspronkelijke titel ‘Liebespaar’. Het was het hoogtepunt van de Klimtzaal en de belangrijkste attractie van de hele tentoonstelling. Het Oostenrijkse ministerie van Onderwijs kocht het voor de Moderne Galerie terwijl de tentoonstelling nog liep.

De galerie was pas vijf jaar eerder geopend en heet tegenwoordig het Belvedere. Bij de aankoop voor 25.000 kronen was het schilderij nog onvoltooid. In 1909 voltooide Klimt het en droeg hij het over aan het ministerie, dat de afgesproken prijs betaalde. Volgens het Belvedere is het waarschijnlijk dat Klimt na de Kunstschau nog wijzigingen aanbracht, tot in 1909. Op een vroege foto is de eerste versie van het schilderij te zien.

In het najaar van 1909 vermeldde een catalogus van de Moderne Galerie het kunstwerk voor het eerst als ‘De kus’, de titel waaronder het nu wereldberoemd is.

De materialen verklaren veel van zijn zeggingskracht. Bladgoud siert de kleding van de geliefden. De achtergrond bevat vlokjes goud, zilver en zelfs platina. Het schilderij ontstond op het hoogtepunt van de gouden periode van Klimt, toen hij een techniek ontwikkelde die bladgoud combineerde met olieverf en bronsverf. Voor zijn gebruik van goud liet Klimt zich inspireren door Byzantijnse mozaïeken en iconen. De stijl van iconen met een gouden achtergrond is normaal gesproken voorbehouden aan religieuze onderwerpen. Hier paste hij die toe op wereldlijke liefde. Het kunstwerk wordt vaak een monumentaal icoon genoemd.

Veel mensen nemen aan dat het paar Klimt en zijn vriendin Emilie Flöge voorstelt, misschien aan de Attersee, waar ze hun zomers doorbrachten. Het Belvedere wijst erop dat geen enkele biografische bron zegt dat Klimt zichzelf en haar wilde afbeelden. Die identificatie blijft dus een romantische veronderstelling. Wat wel vaststaat, is waar het schilderij zich heeft bevonden. Sinds de aankoop is het in de collectie van het Belvedere gebleven. Het hangt in het Oberes Belvedere in Wenen als hoogtepunt van de vaste collectie.

‘Vervulling’ en het ontstaan van de eetzaal van het Stocletpaleis

De Belgische financier Adolphe Stoclet en zijn vrouw Suzanne gaven Josef Hoffmann en de Wiener Werkstätte opdracht om hun Brusselse herenhuis met formele tuinen te ontwerpen, te decoreren en in te richten. Het project liep van 1905 tot 1911. Klimt kreeg de opdracht de mozaïekfries voor de eetzaal te ontwerpen. Zijn tekening van de geliefden die elkaar omhelzen is een van de negen kartons, werktekeningen op ware grootte, die hij voor deze fries maakte, voornamelijk tussen 1908 en 1911.

‘Vervulling’, ook ‘Geliefden’ genoemd, vormt de slotvoorstelling van de fries en is de tegenhanger van ‘Verwachting’ aan de overzijde. Het thema verwachting en vervulling kwam al vanaf 1904 of 1905 voor in de tekeningen van Klimt, jaren voordat de opdracht gereed was. De twee scènes bevinden zich tegenover elkaar in de eetzaal.

Klimt maakte de tekening in Wenen en in Kammerl am Attersee, met krijt, potlood en gouache, aangevuld met brons, zilver, goud en platina. De Wiener Mosaik-Werkstätte van Leopold Forstner voerde de fries uit als mozaïek. De werktekeningen vermelden emaille, goudinleg en gekleurd glas.

Het MAK, het museum voor toegepaste kunst in Wenen, bewaart de originele tekening en vermeldt dat men mag aannemen dat de omhelzende geliefden Gustav Klimt en Emilie Flöge zijn. Dat blijft een interpretatie, geen vastgesteld biografisch portret. De omhelzing aan het slot herinnert aan de geliefden aan het einde van de ‘Beethovenfries’. Stilistisch ligt de tekening dicht bij ‘De kus’.

Het Stocletpaleis is nog altijd privébezit van de familie Stoclet en niet toegankelijk voor publiek. Wie het ontwerp wil zien, is daarom aangewezen op de kartons in Wenen. In 2012, 150 jaar na de geboorte van Klimt, toonde het MAK de negen bewaard gebleven kartons opnieuw, na enkele jaren restauratie. De tentoonstelling heette ‘Verwachting en vervulling’ en liep van 21 maart tot 15 juli.

Wie was Mäda Primavesi en hoe belandde haar portret in New York?

Otto Primavesi, een bankier en industrieel uit een van de rijkste families van Moravië, en zijn vrouw Eugenia steunden de vooruitstrevende Weense kunst. Tussen 1912 en 1914 gaven ze Klimt opdracht hun dochter en Eugenia zelf te schilderen. Mäda was negen toen Klimt haar portret begon te schilderen.

Volgens Mäda zelf reisden zij en haar moeder regelmatig naar Wenen om te poseren. Klimt maakte talloze schetsen en probeerde houdingen, kleding en achtergrondmotieven uit voordat hij de definitieve versie koos. In de zomer van 1913 schreef hij voor de familie een ontvangstbewijs uit voor een aanbetaling van 15.000 kronen op de twee portretten van Mäda en haar moeder.

In het voltooide kunstwerk draagt Mäda een witte jurk met fijne versieringen. Op voorstel van Klimt had zijn vriendin, de ontwerpster Emilie Flöge, de jurk gemaakt. De familie steunde ook de Wiener Werkstätte. Otto Primavesi hielp het atelier financieel overeind te houden nadat de eerste geldschieter, Fritz Waerndorfer, was vertrokken. In de jaren tien bouwde de familie Primavesi een hechte band op met Klimt. Ze nodigden hem uit voor feesten met Kerstmis en Nieuwjaar in hun landhuis in Winkelsdorf, ontworpen door Josef Hoffmann.

Het Metropolitan Museum of Art wijst op de opmerkelijke zelfverzekerdheid die uit de houding en gezichtsuitdrukking van Mäda spreekt, zeker voor een kind van negen. Dat zelfvertrouwen sluit aan bij hoe zij zichzelf later omschreef: eigenzinnig en een jongensmeisje. Haar herinnering aan haar eigen koppigheid suggereert dat de zelfverzekerdheid in het portret echt bij haar hoorde en niet alleen een teken was van de rijkdom van haar familie.

Otto Primavesi bezat het schilderij van 1913 tot zijn dood in 1926. Daarna bleef het in handen van zijn weduwe Eugenia. De familie moest meerdere schilderijen uit de Klimtcollectie van de familie verkopen, waarschijnlijk omdat de Wiener Werkstätte verlies leed en de familiebank failliet ging. In 1928 belandde het portret via Hugo Bernatzik bij de Neue Galerie in Wenen, die het aan Jenny Pulitzer Steiner verkocht.

In 1938 namen de nazi's het portret in Wenen in beslag bij Jenny Pulitzer Steiner. In 1951 kreeg zij het terug. In 1964 kwam het als schenking van André en Clara Mertens in de collectie van het Metropolitan Museum of Art in New York, ter nagedachtenis aan de moeder van Clara, de voormalige eigenares. Het origineel hangt in zaal 800 van het Met.

Bekijk de zeven kunstwerken nog eens en kies het kunstwerk waarvan het verhaal u aanspreekt en dat u dagelijks aan uw muur wilt zien, niet alleen het goud dat u meteen herkende.

Wist u dat?

Klimt begon zijn carrière met zijn broer Ernst en hun vriend Franz Matsch in een team dat de Kunstenaarscompagnie heette. Ze maakten muurschilderingen in grote openbare gebouwen.
De ‘Beethovenfries’ geldt als het eerste kunstwerk uit de gouden periode van Klimt. De fries combineert verf en goud met verguld stucwerk, parelmoeren knopen, spiegelscherven en halfedelstenen, aangebracht op een mortellaag over rietmatten.
Volgens kunsthistorica Alessandra Comini konden bezoekers in 1902 Gustav Mahler herkennen in de ridder met het gouden harnas op de fries.
‘Filosofie’ van Klimt, een van de drie schilderijen voor de universiteit, won een gouden medaille op de wereldtentoonstelling in Parijs. Toch vielen veel critici in Oostenrijk het aan.
In de jaren negentig van de negentiende eeuw maakte Klimt honderden schetsen en ontwerpen voor zijn drie schilderijen voor de Universiteit van Wenen.
Eduard Pernkopf, de nazistische rector en anatoom, steunde de terugkeer van de faculteitsschilderijen naar de universiteit voordat ze naar kasteel Immendorf werden gebracht.
Een recensie in een Weense krant van 9 januari 1916 beschreef een portret van een meisje van ongeveer tien in een witte jurk. De Klimtdatabase identificeert het als het portret van Mäda Primavesi.

Antwoorden op vragen over Gustav Klimt

Waarom werd ‘Geneeskunde’ van Klimt vernietigd? In 1938 namen de nazi's het schilderij, met Hygieia onderaan, samen met de twee andere universiteitsschilderijen in beslag bij de Joodse eigenaren. Tijdens de oorlog hingen de drie schilderijen in een tentoonstelling in Wenen en werden ze daarna opgeslagen. Later werden ze naar kasteel Immendorf in Neder-Oostenrijk gebracht. Daar verwoestte een brand ze op 8 mei 1945.

Welke mythologische voorstellingen schilderde Klimt? ‘Judith en het hoofd van Holofernes’ en de figuur van Hygieia hebben hun oorsprong in bijbelse en klassieke bronnen. Klimt haalde ook inspiratie uit de Griekse mythologie voor kunstwerken als zijn ‘Danaë’, een liggende figuur gehuld in wervelende draperieën. Een print van dat schilderij kunt u aan uw eigen muur hangen.

Wat zijn de sensueelste of erotischste kunstwerken van Klimt? ‘De kus’ en ‘Vervulling’ benaderen de liefde teder, maar in zijn naakten komt de erotiek het meest direct naar voren. ‘Waterslangen II’, met verstrengelde vrouwenfiguren en uitwaaierend haar, hoort daarbij. Meer vintage prints van dit soort kunst vindt u in onze collectie Erotisch.

Hoeveel zijn schilderijen van Klimt waard? De prijzen verschillen sterk per kunstwerk. ‘Portret van Adele Bloch-Bauer I’ werd in 2006 verkocht voor 135 miljoen Amerikaanse dollar, destijds een recordprijs voor een schilderij. De koper, Ronald Lauder, wilde publiekelijk alleen bevestigen dat hij meer had betaald dan het vorige record van 104,2 miljoen Amerikaanse dollar, dat op naam stond van ‘Jongen met pijp’ van Picasso.

Schilderde Klimt Adele Bloch-Bauer meer dan eens? Ja. Er bestaat een tweede portret, ‘Adele Bloch-Bauer II’. WikiArt dateert de opdracht voor dat portret op 1912. Klimt schilderde haar ook als Pallas Athena.

Welke lijst past bij een poster van Klimt? Voor de kunstwerken van Klimt waarin goud overheerst, geven we de voorkeur aan een zwarte lijst. Die laat het goud goed uitkomen. Onze zwarte aluminium lijst heeft acrylglas. Bestelt u die samen met een poster, dan lijsten we de poster gratis in.

Over de auteur

Wij zijn het team van Moryarty. Sinds 2015 sporen we vintage posters op in bibliotheken, musea, online collecties, privécollecties en op markten. We restaureren elke poster met de hand en drukken hem zelf op fineartpapier van museumkwaliteit in ons atelier in Barcelona. Het goud en de patronen van Klimt vragen om een nauwkeurige kleurweergave. We letten er bij de restauratie op dat we het oorspronkelijke ontwerp en de kleuren nooit veranderen. Daar vragen deze kunstwerken om.

Bronnen

Terug naar blog

Je winkelwagen is leeg

Je winkelwagen

Geschat totaal